2023年，美国将成为美国最大的航空公司麻省当代艺术博物馆的工作室 和 伯克希尔移民中心 开始了虹膜驻留计划，以支持马萨诸塞州西部或中部的艺术家 出生在美国以外的人.S.或认为自己是第一代或第二代美国人. 展览，MIGRITUDE(一个由Shailja Patel创造的词)展示了艺术家的作品 五名Iris住院医师:Cima Khademi, Clemente Sajquiy, Marina Dominguez， Hanna Sobolieva和Shailja Patel，以及他们不同的连续方法 建立连接新旧地方的过程.
展览MIGRITUDE是由虹膜奖学金协调员策划，卡罗莱纳 Porras-Monroy和Luiza Folegatti.
*想了解更多关于虹膜住院的信息: assetsforartists.org/iris-residency
**MIGRITUDE (Kaya 新闻, 2010)是基于国际的畅销书 诗人、活动家和展览艺术家谢莉娅·帕特尔的巡回独角秀. 的 MIGRITUDE这个词抓住了移民态度和有态度的移民的概念. 它代表了为自己说话的移民重新获得声音和权力.
2024年2月2日至3月29日，51号画廊
不幸的是，《立博中文版官网》考察了生态和移民之间纠缠不清的历史. 三位艺术家探讨了生态如何在我们的记忆、想象和现实中浮现 这些都是由奴隶制、战争和殖民主义遗留下来的. 地理学家 Kathryn Yusoff写道:“帝国主义和持续的(定居者)殖民主义已经结束 从世界存在的那一刻起.而主流的环保主义 试图通过迁移土著社区或建立边界来“保护”土地 墙壁限制流动和控制人口，这是本次展览的作品 将生态学重新定义为一个交叉性的场所，尤其倾向于那些在 在民族国家边界内外培养新生活形式的侨民.
2023年10月6日至11月17日，51画廊
反映生态:自然中的艺术家探索当代艺术的交叉点 艺术家，自然，生态思维. 生态学是研究关系的学科 生物体和它们的环境以及彼此之间，经常描述我们是如何影响的 并受到自然世界的影响. 这次展览的艺术家们暗示着联系 通过对自然中私人时刻的个人叙述，到哲学层面 或者是对他们的媒体和图像处理方法的艺术关注. 艺术家和 展览中的艺术作品经常与科学导向的图像或方法重叠，并且 随之而来的是对自然界中人类状况的仔细观察. 阿什利·伊丽莎 威廉姆斯多彩的绘画发展了可能性和不可能性的概念 与自然界的生物交流的能力. Malaika Ross的抽象画 土壤微生物的研究鼓励我们去研究微观的形状和模式 存在于我们身边，却常常被忽视. 梅兰妮·莫温斯基的密集旅行 喝水成了一种日常的耐力练习，被记录为一本亲密的艺术家的书. Bill Botzow的雕塑通常取材于入侵物种的木材 艺术形式起源于他在佛蒙特州的后院. 格里高利·舍克勒精妙的抽象 银点处理与时间的关系和从密切观察中得出的模式 自然的. 琼·汉利精细的画作详细描述了常见的难题 我们对自然的地位和影响.
多学科，奥克兰艺术家 凯瑟琳Monahon 带来了 与物质世界的对话，四个雕塑和四个相应的音景，在MCLA的51号画廊展出. Monahon is currently one of the artists-in-residence at 的 Walkway House downtown; they run 波形陶瓷，奥克兰的一个粘土教室，并利用在Tend的时间 来加强他们的创伤意识，以治疗为中心的艺术课程.
通过 与物质世界的对话，他们邀请参观者参与一个互动的音频装置来庆祝 我们与自己的创作冲动的联系. 这个感性的，好玩的，互动的装置 特色雕塑由玻璃、木材、纤维和粘土制成. 这件作品是用来触摸的， 由一群酷儿和/或非二元性别艺术家设计. 每件物品都有伴儿 由材料、制造商和工艺激发的音景.
该装置优先考虑参与、玩耍和反思. 获取材料 知识和感觉安全接触和探索物质世界是一项人权; 这种权利并不总是平等地给予所有人. 有这么多交流的机会 是镶嵌在像柔软的织物或抛光的木头这样简单而普通的东西上吗 ——物质世界的提醒和与物质亲密接触的机会 永远存在. 音景探讨了亲密、家庭、悲伤、家、 传统与身份. 戴上耳机，按下播放键，没错，就是你 可以 触摸艺术!
与物质世界的对话 在史密森尼赫希霍恩博物馆首演 & 雕塑花园作为声音的一部分 将于2022年6月举办“场景节”，并于去年秋天在西海岸的芳草地之夜(Yerba Buena Night)首次亮相. 贡献艺术家包括来自费城的声音设计师Lizzy de Lise，来自旧金山 家具设计师Dominique Tutwiler，俄亥俄州的纤维艺术家Selena Loomis和New 来自美国的吹玻璃工Deborah Czeresko说. 这个作品是通过Material Feels构思出来的， 这是Monahon每月制作的一个艺术播客，探讨了艺术家和艺术家之间的亲密关系 人和他们爱上的材料.
即将毕业的艺术专业大四学生将展出“阈限空间:被忽视的与超凡脱俗的”.' 这个展览展示了空间或时间之间的意象和想法，比如 结束大学生活，开始校外生活，或者找到自己的出路 大流行对我们生活影响的变化，到更微妙的存在状态 常被忽视或幻想的. 每个学生都以不同的方式处理这些更大的主题 通过他们的艺术作品. Eloise Baker的装置与隐藏的电脑有关 code made apparent through weaving; Tiffany Ferreira's collage-paintings pull together common elements 从 nature, living, 和 dying; Rachel Zemsky's imagery activates considerations of burn-out 和 recovery; whereas Deinara Seamans' colorful rabbits implore us to consider folklore passing through our attention; Joseph Vigiard's drawings imply dreams of the past 和 the future; 和 Delano Mill's comics detail stories of 从复仇走向艰难的真相.
参见展览目录 在这里!
Evita Tezeno、Juan Hinojosa、Heather Polk、Br和on Brewer、Todd Bartel、Niki 海恩斯
纳撒尼尔·唐尼特(Nathaniel Donnett)是一位跨学科文化实践者，出生于德克萨斯州休斯顿. 他的实践运用了形而上学和现象学的空间来探索空间/时间， 历史，存在的概念，内在/外在，以及种族. 黑人审美传统， 音乐、拒绝、分形理论、不完整和神圣几何都是策略 以及他用来挑战传统时间线叙事和西方框架的系统. Donnett将非物质世界和物质世界融合在一起，扩展了意义和理解 围绕影响未被充分代表的人群的社会政治问题和有限空间 以及被忽视的条件.
了解面纱这是唐尼特的个展，包括墙体作品、雕塑、装置、 以及调查关于碎片、记忆、擦除、自我、 和内在性. 展览的名称借用了W. E. B. 杜波依斯的经典之作 书 黑人的灵魂. 在那部作品中，面纱象征着种族主义和伴随而来的道德观念 美国黑人. Donnett还借鉴了Fred Moten的圈地概念——一种心理上的圈地 社会不稳定造成的陷阱. 在本次展览的背景下，围场 表现为制度和社会力量不断地给予自由 从或自由 of作为占有、所有权或压制的一种形式. Donnett问题 个人是如何在那些简化的、不复杂的群体中穿行的 范畴，而不是复数，复杂的存在.
在麻省文理学院艺术家实验室驻留期间，唐纳特邀请 来自伯克郡松卵石学校，伯克郡艺术与技术学院的学生 特许公立学校，和MCLA参加这次展览. 他们合作 在一次背包交换中，学生们得到了新的背包作为交换 他们的旧袋子. 学生们还录下了对Donnett的采访 用来创作一个实验性的声音作品.
展览的中心作品之一，一个声音雕塑，名为 面纱 (2022)，将Donnett对音乐、日常诗学、灵性和 宇宙学和科幻现象. 面纱 为观众提供抽象语言、编码策略和即兴创作 通过建立数据可视化，杜波依斯实现了同样的过程来翻译 将社会和种族问题转化为视觉图像. 音乐记谱法也被用作 一种参照黑人国歌“举起每一个声音，歌唱”的视觉语言 詹姆斯·威尔登·约翰逊著. 该作品的概念和美学方法得到了扩展 将声音和物质结合在一起的一系列关于封闭的想法 与学生合作的过程.
了解面纱 传达想象力的力量作为中介，催化剂和门户 占据了存在与发展之间的空间，不断挑战现代意识形态， 哪些源于我们的过去并影响我们的未来. 没有确定的开始或 结束想象可能性，复杂的位置，或解决方案，只有人类的条件 嵌入在学习、反思和行动的时刻之间
这项工作的部分资金是由国家艺术基金会提供的.
如果二月永远不会结束会发生什么?
2月 是洛伦佐·贝克(洛伦佐贝克)的数字拼贴系列，扩展和探索了定义 黑人历史. 从一个独特的角度看历史，每日项目 让观众深入了解俗称的黑人历史月.
庆祝黑人历史月的活动始于20世纪20年代 历史学家卡特G. 伍德森，他在1926年提出，“这不是一个黑人 历史周就是历史周. 我们应该强调的不是黑人历史，而是 历史上的黑人. 我们需要的不是特定种族或国家的历史，而是 世界历史没有民族偏见、种族仇恨和宗教偏见。”. 被卡特的成就所激励. G伍德森，二月扩展了这个论点 黑人的成就、时刻和记录应该得到很好的纪念 超过标准化的28/29天的长窗口.
从非洲未来主义的原则出发，这些原则超越了西方的方法 时间、空间和意义，二月以“发生了什么”这个问题开始 如果二月永不结束?“利用历史照片、文件、插图， 图片来源于互联网，这些艺术品扭曲了观众的理解 什么是值得历史记载的. 作为对黑人历史的日常思考，每件艺术品 将新的或模糊的信息和数据混合并合并到已知的描述中 以及黑人历史世界中不熟悉的图标
泡芙 从第一部非裔美国文学选集中获得灵感， Les Cenelles:选择posamsies indig
Conrad Egyir，首任MCLA Benedetti教学艺术家，达到高潮 他的驻地展览记录了他在阈限空间中的旅程 他体现了. 他既是一名艺术家，也是一名黑人艺术家，是加纳人，也是一名入籍者 美国公民和许多其他类别和身份混淆了这片水域 作为一个移民和有色人种生活在美国. 作为导航器 美国人，但也…
埃及的工作规模是典型的巨大的，跨越多达22个 有几英尺长，高达七英尺高. 他的绘画故事参考了他所拥有的 在他的旅程中，见证，学习和质疑. 在《立博中文版》中 没有开始，也不会有结束吗. 我们得到的是一个总结 Egyir创建的条目，将他看到的像他一样的人的肖像， 并打算分享他们的故事，就像他自己的故事一样复杂多样，但非常 不同的.
受过设计和工作室艺术训练的埃吉尔正在重新审视他所知道的细节 在北亚当斯居住期间的冒险经历. 他对尺度进行了大量试验 想想它是如何限制或解放他作为一个创造性的能动性. 避免帆布 和绘画，埃吉尔转向纸，木炭和粉彩，以及他以前的爱好之一， 雕塑. 这些纸上作品呈现了他作品的雕塑版本. 参军 MCLA学生和其他社区成员坐下来和模型，在纸上的作品 不仅重量更轻，尺寸更多样化，更重要的是，纸张 使埃吉尔能够创造出他想要形成的三维作品 驻留期间创作的二维作品. 把这些立体的东西放在基座上 纸张形式，就像折纸一样，将时间折叠成一个单一的时刻供观众体验， 是建在平台上以表达敬意和纪念所描绘的人物吗.
展览中的作品反映了他自身经历的复杂性和多样性 用新的形式来传达他一直想要讲述的故事. 这些具体 作品成为地标. 它们是可识别的地点、空间、物体和人 在旅途中识别并引导你. 它们标明了你应该去的地方， 你去了哪里，去了埃及，怎么往返. 埃及，和许多国家一样 我们的驻地艺术家，从北亚当斯到他们打电话的地方来回奔波 首页. 对于埃及人来说，在美国，底特律，密歇根是他们的大本营，加纳是他们的大本营， 北亚当斯是一个临时的家. 他记录下他所走的每一步，并进行追踪 通过这项工作. 作为一名艺术家、探险家和记录者，他记录了自己的旅行 一定要记下亮点，特别是胜利和庆祝活动， 而不是黑人在日常生活中经历的失败、创伤和悲伤 现实. 无论这些作品对康拉德来说多么私人和具体，
旅行见闻讲演适合所有人. 这些图像是生活经历. 通过这项工作， 埃及和他一样认为，没有任何一个群体可以垄断这种经历 悲伤，痛苦，快乐和爱. 他使用通用的代码和符号 并添加个人参考记录和分享他的条目. 重量 身体之旅和精神之旅的影响是埃及的指南针.
康拉德·埃吉尔被选为第一位贝内代蒂教学艺术家是恰如其分的 不仅因为他的作品水准，还因为他的一贯作风 渴望分享他所学到的东西，并为他人创造一条道路. 现在，埃及做到了 创造了另一个指南，在我们自己的旅程中使用的空间 我们都被夹在中间.
MCLA画廊51将举办耻辱和故事，展示来自学生的艺术作品 2020年、2021年、2022年的毕业生 . 请于2022年5月6日星期五亲自参加我们的开幕式 下午5点开始接待.m.- 6: 30 p.m. 会有茶点供应.
本次展览将展出三位即将毕业的资深艺术家:Kennedy Sobon, Nhi Lam， 安娜·希伊(Ana Sheehy)，以及2020届和2021届校友的作品.
跨越媒介，艺术家们探索艺术如何重新讲述和重塑共同 叙述. 从精神疾病，到童话故事和文化，这个展览展示 艺术家如何使用他们的媒介来探索故事叙述的不同方面 讲述我们自己的故事或者来自我们文化的故事.
22岁的肯尼迪·索邦(Kennedy Sobon)是一位艺术家，她以时尚为媒介探索自己的关系 有精神疾病和自爱. 她说:“我的艺术作品是一种延伸 我自己. 它赋予了我言语所不能表达的意义.”
Nhi Lam ' 22主要从事数字艺术，并通过她的大型海报插图 她探索她的越南文化，以及来自成长的经历 受到美国和越南的双重影响.
Ana Sheehy ' 22使用了一系列传统媒介. 通过独角兽的形象， 他们探讨了不同的媒介如何影响我们体验艺术的方式 “每种媒体都有自己的包袱，这些包袱来自于我们强加给它的社会偏见， 我们不能不承认一件艺术品的社会包袱.”
这次展览也将作为回归现场展览的庆祝活动. “过去两年，我们的艺术系学生真的付出了代价. 这很难做 艺术在遥远的地方! 因此，22届的毕业生将邀请来自 近两年来参加展览重新展出自己的学生作品，还是有的 他们最近的努力，”艺术学生顾问梅兰妮·莫文斯基教授说， 和Greg Scheckler教授一起.
罗斯的这组作品代表了他一直在寻找 在他看来，世界是有生命的. 自称摄影师的罗斯透露了他的身份 使用铅笔和探索超出想象的调色板的天赋.
进来 是邀请观众通过作品参与罗斯的旅程. 它邀请我们在场，因为我们浏览的图像是有意的 迷失方向，这是必然的，为了更全面地体验他的视角. 罗斯的作品 可以看作是在不舒服中寻找舒适的一种练习，以及 不清楚作品的方向和观者与作品的关系. 对罗斯来说，绘画是一种表现，类似于画家可能经历的事情 当画笔触碰到画布. 这十几幅大大小小的彩色铅笔画 是细致，精确，抽象，但仍然代表什么是有机的.
罗斯还质疑重量和不透明度，这是他的实践的核心组成部分. 在这些 作品中，他创造了一个更好地讨论黑暗，历史，空间的地方 语境，而不是传统的方式和空间. 这些作品是环境 对于人物，观众不得不质疑他们的目光. 罗斯一直在寻找 他所看到的就是他想看到的. 而不是正视他的 在视野范围内，他看向四周和角落，寻找不存在的东西 在视图. 罗斯建议我们把视线移开，走进他的空间，看看是什么 他看到.
深受费斯·林戈尔德、大卫·哈蒙斯、查尔斯·怀特、克里·詹姆斯等人的影响 马歇尔和其他许多人，罗斯对他们的工作和材料的使用进行了调查. 他挑战铅笔探索黑暗的能力. 创建图形 在罗斯自己的设计和空间里. 他还创造了运动的感觉贯穿始终 作品，是指罗斯在材料之间创造的依赖关系，他的 劳动，规模，它们在空间中的存在，以及他对作品的意图. 他努力 挑战绘画可以和应该作为艺术作品的观念. 无论是草图 不是研究，这些都是最后的作品，也是对罗斯能力力量的证明 用这种媒介工作.
作品中的细节是有力而有意义的，没有什么是随机或微不足道的. 作品的重点是色彩与光线的相互作用. 这个交集，或者 也许冲突，是摄影师与绘图员交谈的地方. 它挑战 在这个过程中，罗斯设计了一个空间和人物的世界 不必遵从现实或观点的规则. 罗斯的原始形式， 空间和环境，诱惑观众探索，体验，质疑，和 然后将其立博中文版官网到自己对生活的看法中. 这项工作对罗斯来说是清晰的 他所看到的，我们可能永远不会看到，除非观众凝视他的作品并选择 进来吧.
进来 罗斯在2021年秋季作为MCLA艺术实验室的居民完成了他的工作.
关于本次展览这一系列的彩色铅笔画反射性地关注材料 dimension of their making to exhaust the idea of slow accumulation; a primary point 有趣的是图像的逐层合成. 一幅画怎么可能是感性的 利用快乐? 不透明度的价值是什么? 这些问题都很有用 来指导制作这些图纸的过程. 看和被看是点 可见性是明确的形式，它告知构图、作物和位置 在作品中出现的角度，希望能激发一种表演和参与 和观众在一起. 学习一些不稳定的概念，比如欲望、意识、存在， 内在性，以及身份本身不断变化的关系变得 这些作品发展和产生的基础. |
|
需要考虑的问题1. 这个展览是如何挑战你对尺寸和空间的期望的? 2. 不透明度的价值是什么?它是如何改变作品的感觉的? 3. 一幅画怎么可能是感性的，并描绘出快乐呢? 4. 罗斯通过他的艺术分享了什么我们一开始可能看不到的东西 看? 5. 你对作品或整个展览有什么问题吗? |
|
草图空间我们邀请您素描或画出您自己对这个系列的想法! 张贴你的艺术或你的 把对展览的看法发到Instagram上，并在@gallery_51上给我们加标签 |
请参阅整个画廊指南 在这里. |
